Cheng-Hsin Chiang – Lea Grebe – Hannah Hyun Jeong – Johannes Kiel Tabata von der Locht Paula Niño – Aniko Violet – Khashayar Zandyavari – Schirin Kretschmann

„Wollen wir das Phänomen der Bewegung ernstnehmen, so müssen wir eine Welt denken, die nicht allein aus Dingen, sondern aus reinen Übergängen besteht. Das Etwas im Übergang, dessen Notwendigkeit für die Konstitution der Veränderung wir erkannt haben, definiert sich allein durch seine besondere Weise des ‚Vorübergehens‘.“

Maurice Merleau-Ponty, Phänomenologie der Wahrnehmung

Bei Merleau-Ponty erscheint ein Vogel, der einen Garten durchquert, im Flug als „gefiederter Wirbel“ – un tumulte plumeux. In diesem Bild lassen sich der Vogel und sein Flug nicht voneinander trennen. Ein Blick hat einen Ort und eine Dauer. Nie ist alles zugleich gegeben. Etwas tritt hervor, anderes bleibt entzogen. Auch Nähe und Entfernung sind nicht nur räumlich. Was anderswo geschieht, kann in den eigenen Alltag hineinreichen. Veränderungen, deren Ausmaß sich kaum überblicken lässt, werden an einzelnen Körpern, Dingen und Orten konkret. Manche Verbindungen bleiben unsichtbar, obwohl sie Lebensbedingungen prägen. Wahrnehmung findet innerhalb dieser Verhältnisse statt, nicht außerhalb von ihnen. Von welcher Position aus etwas erfahren wird, was jemanden erreicht und was entzogen bleibt, ist unterschiedlich. Vertrautes kann fremd werden und dennoch erkennbar bleiben.

Lea Grebes großformatige Hybrids hängen als amorphe Papierkörper frei im Raum. Sie wirken organisch, ohne sich einer bekannten Spezies zuordnen zu lassen. Grebes Beschäftigung mit Biodiversität und Symbiosen berührt die Frage, wie Natur beobachtet, gesammelt und geordnet wird – und was sich solchen Ordnungen entzieht. Neben diesen Arbeiten aus Papier zeigt sie in Bronze gegossene Blätter und Äste mit Pflanzengallen. Das pflanzliche Gewebe hat sich in der Wechselwirkung mit einem anderen Organismus verändert. Die Pflanzenteile bleiben erkennbar und tragen diese Begegnung in ihrer Form. Im Abguss wird etwas Vergängliches dauerhaft. Hinzu kommen in Bronze gegossene Dornenzweige. Bei ihnen geht es um das Eindringen in und Besetzen von Räumen, die von Menschen geschaffen wurden – ein Vorgang, der auch in den Hybrids eine Rolle spielt.

Johannes Kiel arbeitet mit Vorgängen, die gewöhnlich unsichtbar bleiben. In Ter(r)abyte erzeugt globaler Datenverkehr Schwarmstrukturen auf E-Ink-Displays. Grundlage sind Messwerte von Datenknoten wie Frankfurt oder Singapur, die während der Entstehung der Arbeit live erfasst und nach bestimmten Regeln in die magnetischen Pigmente der Displays übertragen wurden. Ohne Stromzufuhr bleibt ein einzelner Zustand des fortlaufenden Datenstroms sichtbar, für Computer jedoch nicht mehr lesbar. Momente globaler Kommunikation werden zu statischen Bildern. Die Dual Linear Operators reagieren auf die Körperwärme der Besucher*innen und werden dadurch in Bewegung versetzt. Beide Arbeiten sind auf einer acht Meter langen Wandschiene angeordnet. Hier treffen technische Prozesse und körperliche Anwesenheit unmittelbar aufeinander.

Paula Niño versammelt in einem wandfüllenden Raster Zeichnungen aus ihrem Archiv. Sie stammen aus verschiedenen Lebensphasen mit unterschiedlich eingeschränkter oder uneingeschränkter Bewegungsfreiheit. Die Zeichnungen entstehen dabei immer innerhalb eines Rahmens: eines Raums, eines Behälters, eines Körpers. In den Zeichnungen verbinden sich Erinnerungen, Beobachtungen und Erzählungen mit Erfahrungen des Unterwegsseins und der Frage, was es bedeutet, an einem Ort zu sein, ihn zu verlassen oder anderswo anzukommen. Dabei geht es auch darum, wie Körper Räume einnehmen, sich in ihnen bewegen oder ihnen widersetzen – und welche politischen und gesellschaftlichen Bedingungen diese Möglichkeiten bestimmen. Welche Bewegungen möglich sind, wo und unter welchen Bedingungen, ist nie selbstverständlich.

Cheng-Hsin Chiangs Some Clouds Are Heavier ist Menschen gewidmet, die inmitten von Krieg und Ungerechtigkeit Leid erfahren und dennoch ihren Alltag fortsetzen. Sieben mit reflektierender Folie überzogene Plexiglaselemente, deren Formen sich an geografischen Umrissen gegenwärtiger Konfliktregionen orientieren, werden von alltäglichen Dingen getragen: Putz

schwämmen, Ton, Äpfeln, Uhren, Nägeln, Bierflaschen und Eiern. Die Gegenstände stehen für unterschiedliche Weisen und Perspektiven, mit denen Menschen diesen Bedingungen begegnen und ihren Alltag weiterführen. Ausstellungsbesucher*innen können sich zwischen den „Wolken“ bewegen. Die Arbeit Everyone Says Farewell (2019) besteht aus vier Bleistiftzeichnungen auf Papier, auf denen jeweils zwei Formen erscheinen. Eine ist dunkel gezeichnet, die andere so hell, dass sie beinahe im Weiß des Papiers aufgeht. Über die vier Zeichnungen hinweg verändert sich, wie die Formen sich berühren und zueinander stehen.

Khashayar Zandyavari beschäftigt sich mit Architektur, Körper und Sprache. Eine kreisrunde rote Acrylglasscheibe steht einer stark reduzierten, beinahe menschlichen Figur aus Holzleisten gegenüber. Maßstab, Abstand und Position der beiden Elemente erzeugen eine räumliche Situation, die sich mit der Position der Betrachter*innen verändert. Die fotografischen Arbeiten entstehen durch die Reduktion des Materials auf ein Farbfeld. Knappe Beschreibungen treten zu den Bildern und lassen sie neu entstehen. Eine Gegenwart wird aus einer anderen betrachtet.

Bei Hannah Hyun Jeong gehen Träume, Empfindungen, familiäre Erinnerungen und alltägliche Beobachtungen in Zeichnungen und Malereien ein. Die Zeichnungen wirken wie unmittelbare Notate von etwas, das auftaucht und sich zugleich schon wieder entzieht. Die Malereien entstehen in einem langsameren Prozess; in ihnen verdichten sich Figuren und Situationen und gewinnen ein anderes narratives Gewicht. Auch die eigene Kindheit kehrt darin wieder, weniger als abgeschlossene Vergangenheit denn als Ausgangspunkt für Bilder, die sich mit Vorgestelltem fortsetzen. Menschlich wirkende Figuren, Vögel und andere Wesen bevölkern diese Szenen. Sie begegnen und beobachten einander, begleiten sich oder bleiben eigentümlich für sich.

Aniko Violet nimmt den Budapester Stadtraum zum Ausgangspunkt. Architektur, Wasserflächen, Bäder und urbane Situationen erscheinen mit großer Präzision. Kleine Verschiebungen und Unstimmigkeiten unterbrechen die vertraute Ordnung der Orte, ohne sie aufzulösen. Violet spielt mit den Möglichkeiten der Bildräumlichkeit: Räumliche Ebenen überlagern und durchdringen sich, Sichtbares verweist auf Bereiche außerhalb des unmittelbaren Blickfelds. Die Räumlichkeit der Bilder erschließt sich im Vollzug des Sehens und bleibt darin unabgeschlossen. Die auffallend geordneten, weitgehend menschenleeren Räume sind für Menschen gemacht. Gerade in der Leere bleibt die Erwartung menschlicher Anwesenheit bestehen und gibt den Räumen ihre eigentümliche psychische Spannung.

Tabata von der Lochts Arbeit beginnt mit dem Gehen und Beobachten im öffentlichen Raum. Mit einem selbst entwickelten Lackabdruckverfahren nimmt sie Pigmente und Spuren direkt von Fassaden, Markierungen, Graffiti und anderen Oberflächen ab und überträgt sie auf Stoff. Die Farbe wird dabei nicht nachgebildet, sondern tatsächlich von ihrem ursprünglichen Träger gelöst und an einen anderen Ort versetzt. Ihr Blick richtet sich auch auf Formen von Schutz, Abwehr und Ausschluss in der Stadt. Für die Ausstellung werden zahlreiche kleine Arbeiten zu einer Installation verbunden. Jede bleibt eigenständig; zusammen ergeben sie ein fragmentarisches Bild des öffentlichen Raums. Auf den Textilien bleiben Gesten und Markierungen erhalten, die von der früheren Anwesenheit unbekannter Personen zeugen.

Auch in meinen Scores bleiben Handlungen als Klang gegenwärtig. Sie basieren auf Handlungsanweisungen, die Vorgänge des Ausstellungsbetriebs aufgreifen: Gegenstände werden bewegt, Materialien verformt oder zerlegt. Die dabei entstehenden Klänge werden aufgenommen und in die Ausstellung zurückgespielt. In einer früheren Fassung verteilten sie sich über zehn in die Museumswände eingelassene Lautsprecher und tauchten beim Gehen an unterschiedlichen Stellen im Raum auf. Hier werden die zehn Kanäle auf einen reduziert. Über dem Lautsprecher steht ein umgedrehter Eimer, der bereits bei der Umsetzung einer dieser Handlungsanweisungen zum Einsatz kam. Er dämpft und deckelt den Klang, der sich nun nicht mehr frei im Raum verteilt, sondern vor allem in seiner Nähe hörbar wird.

Vielleicht lässt sich dem gefiederten Wirbel durch die Ausstellung folgen, ohne ihn festzuhalten. Etwas taucht auf, etwas anderes entzieht sich, manches kehrt unerwartet wieder.

Schirin Kretschmann, 2026